Episódio 6: Trabalhar com atores: O que todo diretor de curta-metragem precisa saber
Download MP3Já assisti a curtas-metragens na sala de projeção do Oscar, onde a cinematografia era linda, onde a direção de arte era incrível, onde a estrutura narrativa era impecável. E mesmo assim, o filme não chegou à lista final. Por quê? Porque as atuações não estavam à altura. Da mesma forma já vi filmes com 1 cinematografia mediana e 1 direção de arte discreta, mas com atuações brilhantes que tornavam esses filmes eletrizantes.
Bob Degus:Então qual é a lição? Os atores não são simplesmente parte da sua história, eles são a sua história. E é isso que vamos explorar neste episódio. Depois de 40 anos em Hollywood, e assistindo a mais de 3000 curtas-metragens como votante do Oscar, eu sei o que separa 1 bom curta-metragem de 1 que ganha prêmios. Meu nome é Bob Degus.
Bob Degus:Este é o podcast seu de cinema Hollywood, onde vamos ajudar você a criar curtas-metragens premiados. Episódio 6, trabalhar com atores, o que todo diretor de curta-metragem precisa saber. No episódio anterior, o episódio 5, estabelecemos que a história é o alicerce inegociável de todo o curta-metragem. Hoje vamos aprofundar isso, porque a essência do que faz 1 grande história precisa viver nos corpos, nos rostos e nas vozes de seres humanos reais que estão habitando os seus personagens. Neste podcast, vamos olhar para a ponte entre a história que você escreve e a história que o público experimenta.
Bob Degus:E essa ponte se constrói através dos atores. A questão é, como você ajuda seus atores a dar e entregar suas melhores atuações? E mais fundamentalmente ainda, como você sabe quais atores são os certos para o seu filme? O que torna a atuação em curtas-metragens diferente da atuação em longas-metragens? Existem diferenças realmente fundamentais do ponto de vista de dirigir em 1 formato ou no outro.
Bob Degus:A atuação em curtas-metragens e a direção de atores em curtas-metragens têm exigências muito específicas que são bem diferentes das dos longas-metragens. A 1º grande diferença é que você não tem tempo para encontrar as atuações durante o set. Em 1 longa metragem, os diretores trabalham com esses atores por 50, 60, 70 dias, trabalhando, refinando e encontrando a interpretação. Talvez você volte a filmar algo que fez no início porque a tatuação do ator evoluiu ao longo das filmagens. Mas em 1 curta-metragem, especialmente se você não tem muito dinheiro, isso significa que não tem muitos dias de filmagem.
Bob Degus:Você vai trabalhar com esses atores em 1 período muito condensado e apertado. Muitas vezes, a atuação que o ator te entrega no dia, é a atuação que vai estar no seu filme. Você não vai ter espaço para voltar e regravar, modificar ou explorar. É simplesmente 1 período de produção muito mais comprimido. A 2º coisa é que a atuação em curtasmetragens vai muito mais direto ao ponto.
Bob Degus:Em 1 longa-metragem, se há 1 dia em que o ator está 1 pouco abaixo, é muito provável que a cena anterior tenha sido ótima e a cena seguinte também tenha sido ótima. Esse pequeno mergulho na atuação, você consegue sobreviver a ele, porque tem todo aquele impulso te carregando para frente. Os primeiros dias de filmagem de 1 longa, muitas vezes não rendem o material mais sólido, porque o diretor está encontrando o seu ritmo com essa equipe e esses atores. Na 2º semana, a equipe já encontrou o seu compasso e está fazendo 1 trabalho realmente bom. Quando você planeja 1 filme, muitas vezes coloca as cenas menos importantes na 1º semana para que se ficar 1 pouco bruto não seja problema.
Bob Degus:Mas em 1 curta metragem você não tem esse luxo. Você está filmando no 1º dia, talvez com 2 dias de filmagem, talvez 3, não há 1 período lento para encontrar essas atuações. Você está diretamente no meio de tudo. Você, seus atores, toda a sua equipe, precisam estar focados em entregar o que a história exige dos atores desde o 1º momento, desde o início. O público se conecta mais rapidamente com os atores em curtasmetragens.
Bob Degus:Em 1 longa, há 1 introdução gradual onde você vai conhecendo o mundo dos personagens, a cidade onde vivem, os amigos, todos os elementos que serão explorados ao longo das 2 horas vão sendo apresentados. Em 1 curta-metragem, você não tem isso. Você mergulha na história imediatamente. Pense no gago de que falamos no último episódio. De cara você se identifica com Greenwood e está na jornada dele.
Bob Degus:O fato de o público se conectar com os personagens de forma mais imediata em curtas-metragens, significa que os primeiros 90 segundos, onde você apresenta seu personagem principal, são incrivelmente importantes. Então, como você molda 1 grande atuação com 1 ator? Como você ajuda 1 ator a entregar essa performance? E como você chega preparado como diretor, a 1 curta metragem para fazer isso acontecer? Qual é o trabalho do diretor quando trabalha com atores?
Bob Degus:Esse tema poderia ser 1 podcast inteiro por si só. É 1 assunto vastíssimo. Centenas de livros foram escritos sobre ele. E acho que é realmente importante que você entenda algo que observei, não na sala de projeção do Oscar, mas em sets trabalhando com muitos e muitos diretores, que é que 1 bom número de diretores tem medo de atores. E tem medo dos atores porque os atores são muito dinâmicos e fluidos, e tem todo o tipo de perspectivas interessantes sobre as coisas.
Bob Degus:Enquanto a câmera, que muitos diretores dominam perfeitamente, 1 lente de 50 milímetros colocada nessa câmera, sempre vai fazer o que 1 lente de 50 milímetros faz. Os diretores têm habilidade com a câmera e com os aspectos técnicos do cinema. Mas quando se trata da dinâmica de trabalhar com atores, muitos diretores ficam realmente com medo. E isso porque não se deram ao trabalho de entender como se comunicar com os atores, nem de estar abertos à exploração de que os atores precisam para criar sua melhor atuação. Vamos falar sobre o que você não deve fazer quando está dirigindo atores.
Bob Degus:Algumas dessas coisas são cômicas, mas vale a pena mencioná-las para você ter em mente. Você não está dizendo a 1 ator como entregar 1 fala, você não está demonstrando a atuação que quer que ele dê mostrando como fazer, você não está micro gerenciando cada escolha física, cada momento emocional. E você não está esperando que o ator simplesmente execute o que está na página. Quero contrastar isso com o trabalho em publicidade onde você pede ao ator para pegar o produto de 1 certa forma, segurá-lo de 1 certa forma. Isso é algo bem diferente.
Bob Degus:Mas no cinema, você quer criar as condições em que 1 grande atuação pode acontecer. Esse é o seu trabalho mais importante. Gosto de pensar na direção como ser o anfitrião de 1 festa que você está organizando e você está convidando seus atores e sua equipe como convidados. É 1 responsabilidade bem diferente de ser o diretor que exige 1 atuação de 1 ator. Você quer criar o espaço no qual 1 grande atuação pode florescer.
Bob Degus:Em 2º lugar, entender o que cada ator precisa, emocional, prática, física e pessoalmente, para ajudá-los a compreender a verdade, a verdade interior que existe naquele personagem. O que descobri quando eu estava dirigindo é que fazia todo esse planejamento, deixava tudo traçado, conhecia esses momentos para este personagem, aqueles momentos para aquele outro. E o que encontrei no set é que nada disso importava. A preparação era claro que necessária, mas eu precisei jogar tudo fora, porque cada ator precisava de algo diferente de mim como diretor. Os grandes diretores são capazes de perceber, este ator precisa que eu seja assim, aquele outro ator precisa que eu seja de outro jeito.
Bob Degus:Eles se adaptam quase como 1 camaleão na forma de se relacionar com cada ator, dando a eles o que especificamente precisam para dar 1 grande atuação. É diferente de forçar o ator a se adaptar a você. Você está criando a situação em que seu ator vai conseguir ter sucesso. Seu trabalho como diretor é também comunicar o porquê de cada cena, não o como, mas o porquê. O porquê dá significado ao que a cena trata.
Bob Degus:O como, onde ficar de pé, como se mover, você deixa o ator descobrir. Talvez ele comece em pé aqui, talvez caminhe até o sofá e se sente. Essas coisas surgem do que parece natural para o ator. Agora, é realmente importante que você construa confiança com seus atores e não atraia. Não acho que isso seja algo que possa ser ensinado, ou você é alguém que vai ser digno de confiança ou não é.
Bob Degus:E você precisa entender que atuar é extremamente vulnerável, porque 1 grande atuação expõe a alma de alguém. Você quer criar 1 espaço onde o ator se sinta seguro para fazer isso. Trabalhei com 1 diretor 1 vez, 1 homem muito agradável, e estávamos 2 ou 3 dias dentro das filmagens quando 1 dos atores errou as falas. O diretor fez 1 grande alarde disso dizendo, o prêmio pelo 1º erro de fala do filme vai para este ator em particular. Ele estava tentando ser gentil, fazer 1 brincadeira de que estava tudo bem ter errado.
Bob Degus:Mas o que fez foi envergonhar aquele ator. Eu vi todos os outros atores no set se fecharem e pensarem, bem, este é 1 set onde vão nos ridicularizar, e o que aconteceu é que os atores deram atuações menos arriscadas, o que significou que a grande atuação que o filme precisava nunca aconteceu, porque os atores ficaram autoconscientes por causa de 1 erro inocente mas enorme que o diretor cometeu. Você quer construir 1 relação de confiança com seus atores, onde você os respeita e eles confiam que você vai sustentar esse espaço para eles. No teatro, os atores recebem o feedback do público e podem calibrar sua atuação a cada noite. No cinema, não há público.
Bob Degus:Os atores dependem de você como diretor para ser o reflexo da atuação deles. Se não podem confiar em você, não podem confiar nesse reflexo. A última coisa sobre isso é saber quando empurrar 1 ator e quando dar 1 passo atrás. Isso é algo para o qual você vai desenvolver 1 instinto. Vem de trabalhar com atores, de estar em 1 7, de ser capaz de ouvir sua voz interior e sentir o set, saber quando você quer pressionar 1 ator para fazer mais 1 tomada ou quando simplesmente quer deixar estar.
Bob Degus:Com a câmera, 1 lente de 50 milímetros sempre vai criar a mesma composição. Com atores, é muito mais dinâmico, muito mais intuitivo, e é isso que torna tudo apaixonante. Então quando se trabalha com atores, qual é a decisão mais importante que 1 diretor pode tomar? A resposta é o casting. Acredito que 1 diretor realmente só tem 1 decisão completamente livre em 1 filme, e é a quem escalar nos papéis.
Bob Degus:Todo o resto decorre dessa única decisão. Entendi isso imaginando 1 filme onde o mesmo personagem é interpretado por John Wayne e depois por Jimmy Stewart. Você pode imaginar que isso renderia 2 performances completamente diferentes. Ou pense em Tim Mothie Chalamet versus Dwayne Johnson, no mesmo papel, 2 versões completamente diferentes do filme. Seu trabalho como diretor é encontrar e colocar a melhor pessoa no seu filme.
Bob Degus:Pense nisso. Digamos que você tenha 1 visão para o seu filme e o ator ideal seria alguém como Timotey Chalamet. Mas você tem 1 conexão direta com Dwayne Johnson. Ele adora o seu projeto e quer se envolver. Então, você o escala porque é 1 grande ator, com quem você tem 1 ligação.
Bob Degus:E aí você passa todo o período de filmagem tentando fazê-lo dar o tipo de atuação que Shalomet poderia dar. Você vai estar lutando contra a sua escolha de casting o tempo todo. A coisa mais importante para 1 diretor é escolher o ator certo para o papel e depois se colocar 100 por 100 por trás desse ator, e ajudar esse ator a dar a melhor versão do personagem que ele pode dar. O ator certo torna o seu trabalho possível. O ator errado o torna completamente impossível.
Bob Degus:Já assisti a exibições onde você simplesmente se pergunta por que escalaram aquela pessoa para aquele papel. É a escolha errada para atuação. É como unhas no quadro negro, te faz arrepiar porque não está em sintonia. E igualmente, já vi filmes com atores muito desconhecidos que são perfeitamente escalados para os personagens que interpretam. E é como 1 bela peça musical.
Bob Degus:Então, o que você deve procurar quando está fazendo o casting dos seus atores? 1º, disponibilidade emocional. Este ator consegue acessar sentimentos genuínos dentro de si mesmo rapidamente e sem 1 longa preparação? Há alguns atores, vou usar Daniel Lewis, porque ele é o mais famoso nisso, que precisam de 1 ano de preparação. Ele se torna literalmente o personagem.
Bob Degus:Atores que trabalham com ele dizem, nunca conheci Daniel Day-Lois, conheci o personagem, porque ele permanece no personagem e usa a atuação de método, e é extremamente eficaz para ele. Mas se você está fazendo 1 curta-metragem com 3 ou 4 dias de filmagem, ele provavelmente seria 1 péssima escolha, porque você não teria tempo para apoiar o processo criativo dele. Você quer 1 ator que consiga acessar sentimentos genuínos rapidamente. 2º, especificidade. O ator consegue trazer algo particular e insubstituível ao papel que nenhum outro ator pode trazer?
Bob Degus:Já disse várias vezes neste podcast que você deve dirigir filmes que só você pode dirigir. Da mesma forma, você quer encontrar o ator que é o único ator que pode interpretar esse papel. 3º, presença. Ele consegue preencher o enquadramento? Você quer assistir a ele?
Bob Degus:Há 1 diferença entre ver 1 ator pessoalmente e vê-lo na tela. Ele vai ser interessante de assistir no filme? Isso é algo que você precisa avaliar. 4º, inteligência. O ator entende a história?
Bob Degus:Ele entende o personagem no nível que o filme exige? Se você está fazendo 1 comédia, quer 1 ator que tenha senso de timing cômico e que você acha engraçado. Em 1 drama, quer 1 ator com a inteligência artística para entender do que se trata e trazer isso ao filme. E precisa ser alguém com quem você sinta que pode ter 1 relação de confiança quase imediata. Ao conhecer atores, você quer sentir, esta é 1 pessoa com quem posso conversar, esta é 1 pessoa com quem posso ter 1 diálogo.
Bob Degus:Digamos que você está fazendo seu filme, orçamento mais apertado, e tem acesso a 1 ator muito conhecido. Pode ser 1 ótima escolha de casting se ele for o certo para o papel, ou pode não ser, mesmo que ele seja certo para o papel. Se você se encontra com ele e pensa, não consigo trabalhar com essa pessoa, não tem nada de errado com ela, simplesmente vocês não têm química, então, o melhor é talvez não escalá-la. Você vai sentir a relação entre o diretor e os atores no filme. Evite fazer casting por conexão ou por conveniência.
Bob Degus:Colocar seus amigos no filme porque são seus amigos, ou escalar 1 ator famoso com quem você não teve conexão na reunião porque tinha 1 ligação com ele. Essas escolhas vão te dar atuações menos sólidas do que quando você tem 1 conexão real com o ator. Alguns dos melhores curtas-metragens que já vi em 30 anos, analisando curtas-metragens para o Oscar, tinham atores que eu não conhecia, que eram desconhecidos para mim, mas que estavam tão perfeitamente escalados para o papel que trouxeram tanta textura e vivacidade às suas atuações que a história ganhou vida. Tenha isso em mente, 1 atuação brilhante de 1 ator desconhecido sempre vai superar 1 boa atuação de 1 ator famoso. Vamos falar 1 momento sobre o processo de ensaio.
Bob Degus:Por que é algo que vejo diretores de curtasmetragens fazerem errado? E é importante que você pense nisso através dessa perspectiva. No teatro, o processo de ensaio é fundamental. Você passa semanas e meses ensaiando 1 peça. A razão é que no teatro não há montagem.
Bob Degus:A montagem acontece durante o processo de ensaio. Não há pós-produção, tudo precisa estar definido antes de entrar em cena. No cinema, existe 1 etapa gigantesca chamada montagem, onde você vai moldando o filme durante a pós-produção. Mas isso não significa que você não precisa de 1 processo de ensaio, especialmente no início da carreira, e especialmente em 1 curta metragem, com 1 agenda de filmagem apertada. O processo de ensaio é onde você explora e faz descobertas.
Bob Degus:Você não precisa de ensaios tão longos quanto no teatro, mas precisa de 1 meio termo entre nenhum ensaio e 1 muito longo. Há alguns atores muito famosos, Joaquim Phoenix me vem à cabeça, que não ensaiam. O raciocínio dele é que se descobrir algo no ensaio e as câmeras não tiverem captado, vai precisar imitar depois e não será autêntico. Há alguma validade nisso especialmente se você olhar para as atuações dele. Mas trabalhar com 1 ator assim que não quer ensaiar, está bem se você tem orçamento para filmar todos os seus ensaios em câmera, no set, no próprio dia.
Bob Degus:Suponho que como cineasta de curtasmetragens que está começando, você não tenha esse luxo. Então, certifique-se de que os atores que você está escalando vão estar abertos aos ensaios. Obviamente é 1 questão de orçamento. Se você os está pagando, vai precisar pagar para eles aparecerem nos ensaios. Mas é 1 passo realmente importante.
Bob Degus:O ensaio te dá mais 1 ou 2 dias para construir confiança entre você e seus atores, o que é tão fundamental para a relação diretor ator. Permite que você explore o personagem juntos sem 1 equipe de 50 pessoas assistindo. Você pode encontrar a história de fundo, a vida interior, detalhes específicos que talvez nem apareçam no filme mas que fazem o personagem ganhar vida. Você também está descobrindo coisas que o ator traz ao papel que você nem tinha pensado. E essas descobertas te dão tempo para pensar em como melhorá-las ou adicionar cor e textura quando chegarem ao set.
Bob Degus:Você também pode identificar momentos no roteiro que não estão funcionando. Falas mais difíceis de dizer do que deveriam, ou 1 cena onde você se pergunta, por que essa cena está neste filme? O ensaio te dá oportunidade de fazer ajustes antes das filmagens, quando é muito mais difícil fazer mudanças. E o ensaio dá ao seu ator o espaço para falhar com segurança. Ele pode tentar coisas loucas porque são apenas algumas pessoas em 1 sala, talvez isso não tenha funcionado, tudo bem, vamos tentar outra coisa, ou nossa.
Bob Degus:Que jeito interessante de abordar isso. Essa liberdade de falhar sem consequências significa que no 7 ele vai confiar mais em você, porque você conquistou 1 lugar de segurança com ele. Há algo chamado leitura de mesa que é incrivelmente importante fazer. É quando você reúne todos os seus atores e a equipe chave do filme, o diretor, o 1º assistente de direção, o diretor de fotografia, o montador, os produtores, e vocês leem o roteiro inteiro do começo ao fim. Não é 1 performance.
Bob Degus:Seus atores não estão a 100 por 100, mas estão lendo o roteiro para que você, como diretor, possa pela 1º vez realmente ouvir o roteiro encarnado por pessoas. Sei que existem programas de inteligência artificial onde você pode atribuir personagens e ouvir a história em voz alta. É 1 passo interessante. Mas é algo diferente de ter os atores que você escalou todos juntos em 1 sala, provavelmente se conhecendo pela 1º vez, lendo o roteiro, com a equipe que está fazendo o filme presente para vivenciar essa leitura. É 1 passo realmente crítico, e normalmente é feito alguns dias antes das filmagens para que você tenha tempo de vivenciá-lo e depois fazer os ajustes que quiser.
Bob Degus:Agora, é realmente fundamental que você não mude o roteiro 1 ou 2 dias antes de 1 cena ser filmada. Os atores estão preparando as falas, e se você entregar 1 novo roteiro na noite anterior, eles vão ficar muito inseguros. O foco no 7 no dia seguinte vai ser acertar as falas em vez de toda a riqueza da atuação que você normalmente poderia estar explorando. Trabalhei em 1 longa metragem 1 vez onde, por várias razões, por causa do estúdio, dos atores, dos roteiristas, do diretor, houve tantas revisões importantes do roteiro que os atores em determinado momento simplesmente travaram. Eles não conseguiam acompanhar e não conseguiam fazer o trabalho deles.
Bob Degus:Clint Eastwood, que é lendário por fazer filmes, não muda o roteiro depois que começa a filmar. Seu trabalho, e o que eu te encorajaria a fazer como diretor, é ter o roteiro polido antes de chegar à leitura de mesa. Não significa que você não possa fazer ajustes menores, mas você realmente quer criar 1 situação em que não está mudando o roteiro poucos dias antes das filmagens, porque como disse, isso vai deixar seus atores inseguros. 1 das coisas mais importantes a entender sobre o trabalho com atores é que você não está dizendo a eles como se sentir. Você está dando aos atores as circunstâncias que evocam esse sentimento.
Bob Degus:Você está triste nesta cena, isso não ajuda, mas dizer, seu personagem acabou de descobrir esta manhã que a mãe está morrendo. Agora sim, isso é outra coisa, isso é 1 indicação que o ator consegue atuar. Ou, vamos jogar esta cena como se você estivesse absolutamente furiosa com o seu marido. Isso é muito vívido. É 1 indicação que o ator pode realmente usar.
Bob Degus:Dar indicações orientadas a resultados obriga o ator a traduzi-las em 1 ação física. Eles se chamam atores, porque estão fazendo ações que podem atuar. Quanto mais puras forem as suas indicações, menos tradução o ator vai precisar fazer. E melhor, e mais eficaz será a atuação. 1 das coisas mais importantes que 1 diretor precisa fazer no set é proteger os atores e o espaço em que eles estão.
Bob Degus:É por isso que o diretor é a única pessoa que fala com os atores sobre a atuação deles. Os outros membros da equipe não falam com os atores sobre a atuação, os atores ficariam confusos, Há 1 relação muito sagrada entre 1 diretor e 1 ator. Vou contar 1 história. Não posso te dizer quem era o diretor, nem qual era o filme, mas trabalhei com 1 diretor muito bem-sucedido, que recebia milhões de dólares para dirigir. Depois de cada tomada, o 1º assistente chamava a ação, e então o diretor gritava, me dá algo bom, e às vezes, me dá algo grandioso desta vez.
Bob Degus:Era muito perturbador para os atores, e vários deles estavam chateados e falaram comigo sobre isso. Perguntei ao diretor e ele disse, li em 1 livro que os atores realmente querem agradar o diretor, então estou apenas dando permissão para eles fazerem isso. Mas o que ele estava realmente fazendo era fechar o espaço. Compare isso com Clint Eastwood. Clint Eastwood não grita ação.
Bob Degus:Ele começa pelo som, depois câmera, e então diz tranquilamente, quando vocês estiverem prontos. Se você sentir a diferença entre ação e quando vocês estiverem prontos, essas 2 frases criam 2 lugares completamente diferentes de onde seus atores podem atuar. Tenha em mente que a 1º tomada é realmente 1 tomada sagrada. Muito frequentemente é a melhor atuação que o ator vai dar. Nem sempre alguns atores precisam entrar no ritmo e talvez a 8º tomada seja a melhor deles.
Bob Degus:Isso é algo que você vai precisar descobrir como diretor. E você pode organizar o seu modo de filmar para se adaptar a isso. Se 1 ator está melhor na 1º tomada e começa a declinar, filme o dele 1º. Se ele está melhor na 8º ou 9º tomada, filme o outro ator 1º para que este vá se aquecendo, e quando estiver prestes a estar no seu melhor momento, vire a câmera e filme-o. Clint Eastwood raramente filma mais de 1 tomada, porque ele sente, é isso, você conseguiu.
Bob Degus:Em 1 agenda apertada, talvez 2 ou 3 tomadas e depois precisa seguir em frente, saber isso sobre seus atores importa. Pense em como você se comunica com seus atores depois de cada tomada. A 1º coisa que você precisa fazer, depois de dizer corta, é ir falar com seus atores. Não fale com o diretor de fotografia, não fale com mais ninguém 1º. Vá e dê o seu feedback sobre como a atuação foi, e então dê os ajustes para a próxima tomada.
Bob Degus:O que já vi acontecer tantas vezes, especialmente trabalhando com estudantes, é que eles falam com o diretor de fotografia, com o Gaffer, com todo mundo menos com os atores, porque têm medo de ir falar com eles. Fale com os atores 1º, não através de 1 megafone, levante da cadeira e vá falar com eles. E quando estiver dando ajustes, não são correções. Você não está dizendo, não faz isso, faz isso. Você está dando informações novas, enquadre como 1 e se?
Bob Degus:E se neste momento ela na verdade achasse ele engraçado em vez de ameaçador? A ideia do e se traz 1 energia lúdica e abre possibilidades, em vez de 1 bronca do tipo, você errou, então desta vez, deixa eu te dizer como fazer diferente. Você está somando ao que o ator fez, você está pegando o que ele fez e adicionando o próximo elemento. Não encadeie 5 ou 6 coisas. Você vai ver os olhos do ator ficarem vidrados.
Bob Degus:Dê 1 coisa concisa que ajude o ator a ter 1 abordagem diferente na próxima tomada. 1 das coisas que aprendi muito cedo trabalhando com 1 diretor muito bem sucedido. Não existe 1 única forma certa de fazer 1 cena, isso é 1 suposição incorreta. Há 1 variedade de formas em que o ator poderia interpretar 1 cena e 1 variedade de emoções igualmente válidas que poderiam acontecer. Esse diretor em particular gostava muito de conseguir diferentes matizes de 1 atuação para que na pós-produção você pudesse escolher 1 interpretação mais intensa, ou 1 mais rápida, ou 1 mais pausada.
Bob Degus:Ele tentava obter 1 variedade de matizes que pudesse usar na sala de montagem, em vez de buscar a única atuação exata e correta. Pense em qual é o seu objetivo e em como você pode ajudar seus atores a dar a melhor atuação possível que você possa usar quando estiver montando o seu filme. Fiquei pensando em todas as atuações que vi como votante do Oscar assistindo a curtasmetragens. E se eu quisesse destilar a essência em 3 coisas que ficam na minha memória sobre atuações verdadeiramente extraordinárias, aqui está o que diria. 1º, a atuação do ator desaparece dentro do personagem.
Bob Degus:Não é 1 ator interpretando 1 cena, não é 1 ator que está indicando essas coisas, é onde o ator se torna o personagem, e é esse personagem. Não estou nem assistindo a 1 atuação, simplesmente eles são esse personagem. Você pode chamar de verdade ou presença ou qualquer outra coisa, mas é 1 atuação crua, real e autêntica. Isso é, acho, a coisa mais importante que posso nomear. E é muitas vezes aí que escalar 1 ator muito famoso pode trabalhar contra você, porque agora estou assistindo ao Tom Hanks e esse é 1 estado mental diferente de simplesmente estar assistindo ao personagem no filme.
Bob Degus:Você quer que a atuação pareça autêntica e real no seu coração. 2º, a quietude. Algumas das atuações mais poderosas dos atores são quando eles estão ouvindo. Pense em 1 padrão de montagem tradicional, onde este ator fala, então a câmera está nele, depois aquele ator fala e a câmera está nele. Mas o que me fascina de verdade é quando o ator está ouvindo o que o outro personagem está dizendo.
Bob Degus:E essa quietude é onde se for 1 grande ator, você consegue vê-lo pensando no que está sendo dito, processando isso como aquele personagem. Muitas vezes, os diretores se concentram apenas nas leituras de falas em vez de na escuta, mas a escuta é realmente onde algumas das atuações mais poderosas acontecem. Se você assistir aos curtasmetragens que vou compartilhar com você, vai ver isso repetidamente. Eles passam muito tempo na quietude com os atores ouvindo e pensando. 3º, atuações que te surpreendem.
Bob Degus:Isso é difícil de quantificar, mas você mesmo como espectador de cinema sabe quando vê onde os atores fazem coisas realmente interessantes e extraordinárias que te encantam, te cativam e te mantêm assistindo ao filme. Isso é algo que o ator vai trazer, esperamos, nas audições, e você vai dar a ele o espaço no seu set para explorar, para que você tenha esse ouro que eles criaram e possa escolher os melhores momentos na pós produção. Dê espaço para essas surpresas de atuação, esses acidentes, esse ouro cinematográfico, para que aconteçam no seu set e assim tê-los quando estiver montando o seu filme. A maioria dos atores são pessoas verdadeiramente extraordinariamente talentosas, e trazem 1 forma poderosa de entender a nossa própria humanidade. Acho que eles realmente merecem ser valorizados e respeitados.
Bob Degus:Lembro quando estava produzindo o filme, Steven Sawderberg, John Kilik e Gary Ross. Desde o início das filmagens, sabíamos que estávamos fazendo 1 bom filme. Estrelado por Tobey McGuire, Reese Witherspoon, Jeff Daniels e Bill Macie. Havia muitos atores extraordinários nesse filme, mas estávamos filmando há algumas semanas quando Joan Allen chegou. Ela interpreta a mãe no filme.
Bob Degus:E no seu 1º dia de filmagem, ela entregou 1 atuação tão extraordinária que elevou o filme inteiro. O filme se tornou significativamente melhor por causa da atuação dela. Lembro de estar no set, e que estava claro para toda a equipe que de repente estávamos fazendo 1 filme extraordinário, graças a Joan Allen. E o que ela fez, foi inspirar todos os outros atores a também elevar as atuações e o nível do trabalho deles. Foi aí que entendi de verdade o quanto os atores são incrivelmente importantes.
Bob Degus:E por que sustentar o espaço para que façam algo extraordinário, importa tanto. Porque aí, eles vão inspirar todo mundo, do diretor de fotografia ao montador e aos produtores, a elevar o nível e trazer mais energia ao projeto. Os atores são pessoas muito especiais, acho que é 1 privilégio para os diretores trabalhar com eles. Trabalhei com o Brad Pitt muito no início da carreira dele. Produzi 1 curta-metragem indicado ao Oscar em que ele participava, E aprendi naquele filme a importância da relação entre o diretor e a estrela do filme.
Bob Degus:Mas talvez essa seja 1 história para outro podcast. Acho que como diretores e cineastas, quanto mais você se educar sobre atores, mais sucesso vai ter fazendo o seu filme. Então, o que isso significa para o seu filme agora mesmo? Bem, isso depende de em que parte do processo você está. Se você ainda não fez o casting, dedique 1 quantidade enorme de tempo a pensar e escrever descrições de personagens, que vão além dos atributos físicos.
Bob Degus:Porque na verdade, qualquer 1 poderia interpretar o personagem. E se você está fixado em 1 cor de cabelo específica ou 1 tipo de corpo específico, está limitando o seu universo de atores disponíveis. Agora, se for verdadeiramente necessário para o personagem, isso é outra história. Mas na maioria das vezes, quanto menos restritivo você for fisicamente, mais opções de grandes atores você vai ter. Dedique muito tempo às descrições de personagens, escrevendo sobre o que esses personagens sentem, o que querem, do que têm medo, o que querem esconder?
Bob Degus:Mesmo que não sejam cenas que estão no seu roteiro, pense na história de fundo deles, em coisas que aconteceram no passado do personagem, que vão te ajudar a entender quem eles são. Antes da produção, marque ensaios com seus atores onde você está muito focado em conhecê-los, construir 1 relação de confiança e explorar coisas juntos. Encontre 1 dinâmica de trabalho que você possa levar com você para o set. 1 que os ajude a dar as melhores atuações. Quando estiver dirigindo seus atores no set, tente dar indicações de 1 forma que o ator possa entender e com que possa trabalhar.
Bob Degus:Não dê indicações orientadas a resultados dizendo a ele o que fazer, mas dê 1 desejo. Nesta cena, este personagem precisa que ele a perdoe. Essa é 1 forma muito mais clara de dar 1 indicação. Quero tirar 1 momento para compartilhar este livro com você. Chama-se, de Judith Westdon.
Bob Degus:Se você for ler apenas 1 único livro sobre cinema em toda a sua vida, deveria ser directing actors, de Judith Weston. É 1 livro extraordinariamente bom para ajudar todo o diretor, independentemente de quanta experiência você tem, a entender como se comunicar com os atores. Ela trabalhava como diretora de casting e assistente de direção de casting, e estava horrorizada com a forma como os diretores de cinema se comunicavam mal com os atores. Eles conseguiam se comunicar com a câmera, com a equipe, mas com os atores eram terríveis. E ela sentiu 1 necessidade real de escrever 1 livro para dar aos diretores 1 linguagem e 1 forma de se comunicar com os atores.
Bob Degus:É 1 livro extraordinário, aprofundado, fácil de ler e fácil de assimilar, que vai te ajudar exponencialmente a trabalhar com seus atores no seu set. Isso é para o set. E então, se você já filmou e está assistindo ao seu filme finalizado, você realmente quer ser honesto consigo mesmo enquanto o assiste, certificando-se de que há verdade nas atuações dos seus atores. Não olhando para a iluminação, não olhando para a composição dos planos, não olhando para os figurinos, mas há verdade no que está sendo dito? Você pode fazer isso ouvindo, quase feche os olhos e ouça as palavras sendo ditas no seu filme.
Bob Degus:Elas soam verdadeiras para você? Se a resposta for não, talvez encontre outra tomada, onde haja mais verdade no que está sendo dito. Você também pode usar essa técnica no set, ouvindo o que os atores estão dizendo, porque a voz revela muito mais se algo está sendo dito com autenticidade ou se está 1 pouco forçado. Então este é o episódio. 1 episódio panorâmico sobre como trabalhar com atores e como eles podem elevar o seu filme e torná-lo exponencialmente melhor.
Bob Degus:Espero que tenha sido útil. Obrigado. Junte-se a mim no episódio 7, o curta-metragem que lançou o Brad Pitt e o que ele nos ensina. Mais 1 coisa, se o episódio de hoje despertou algo em você, acesse Hollywood Filme Coach ponto Substack ponto com para ler o material complementar. É 1 texto original que aprofunda a ideia mais importante do episódio de hoje.
Bob Degus:E inclui links para todos os filmes que discutimos, para que você possa assistí-los e tirar suas próprias conclusões. Até lá. A diferença entre 1 curta-metragem bom e 1 premiado é menor do que você pensa. Fechar essa lacuna é exatamente o que este podcast propõe. Eu sou Bob Deg2s, este é o seu de cinema Hollywood Podcast.
Bob Degus:Inscreva-se, deixe 1 avaliação e compartilhe com 1 cineasta que precisa ouvir isso. A voz de Bob Degus neste episódio foi criada pela ia da Eleven Labs com base no seu podcast original em inglês Hollywood Film Coach.
